Выставка «Победители»

Раненый солдат

Полотно было передано Новоуренгойскому музею изобразительных искусств из Тюменской областной картинной галереи в 1985 году.

Автор работы — Пётр Иванович Шолохов — советский художник-реалист, живописец и график, ученик Абрама Архипова. Член Союза художников (1932). Родился в купеческой семье. В 1920 году окончил Борисоглебскую художественную студию, работал учителем рисования в Верхнем Карачане. Затем окончил ВХУТЕМАС, где учился у В. А. Фаворского, П. Я. Павлинова, А. Е. Архипова. С 1929 года — член Ассоциации художников революции.

В 1943 году был мобилизован в Красную армию; служил на фронте в дивизионном клубе, где писал декорации, портреты Сталина, плакаты, таблички на могилы погибших, а также военные пейзажи.
В послевоенное время неоднократно выезжал в Ясную Поляну, Мелихово, Борисоглебск (в 1950-е гг.), где создал много работ.
Преподавал в студии издательства «Правда». В числе его учеников — Б. А. Шолохов (племянник), Юрий Иванович Рогозин, Василий Михайлович Юрчик.
В 1982 году Пётр Иванович подарил более 100 своих работ художественным музеям Воронежа и Борисоглебска.
Произведения художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Ясной Поляне, в Мелиховском музее-заповеднике, в музеях Серпухова и Таганрога, в Воронежском художественном музее имени И. Н. Крамского, картинной галерее имени П. И. Шолохова.
Имя П. И. Шолохова носит Борисоглебская картинная галерея (филиал Борисоглебского историко-художественного музея), открытая 14 мая 2001 года.

Скульптура «Старший брат»

Скульптура была передана в Новоуренгойский музей изобразительных искусств из Министерства культуры РСФСР в 1986 г.

Работа создана из шамота, с использованием соли и глазури Шамот – это Каолин или огнеупорная глина, которые обжигаются до потери пластичности. При этом из них удаляется химически связанная вода и достигается определённая степень спекания. Иногда шамотом называют также некоторые другие исходные материалы для производства огнеупоров, обожжённые с целью окускования порошков (нередко в смеси с глиной) и стабилизации свойств материала (высокоглинозёмистый, корундовый, цирконовый «шамот»).

Шамот — это легенда в керамике. Керамика во все времена не только присутствовала в жилище человека, но и органично вписывалась в любой интерьер. Она хорошо соседствует с кованым металлом, стеклом, ротангом, мрамором, деревом, живописью. Шамот не так давно появился в нашей жизни, но уже стал модным. Уникальность его в том, что он похож на «старый» природный камень, камень, выветренный ветрами с его трещинами и трещинками, щелями и сколами. У шамота шероховатая текстура, очень приятная на ощупь.

Термин «шамотная глина» появился в середине XIX в. Человечество постоянно находилось в поиске более прочных составов глины, поэтому шамот как нельзя кстати отвечает всем требованиям строительства и дизайна интерьеров. Его качество, индивидуальность, огнеупорность, морозо- и влагоустойчивость, а также экономичность проверены временем и свидетельствуют в пользу этого материала.

В последнее время в индивидуальном строительстве прослеживается возвращение к строгой красоте, истокам, глубине, знаниям. Отсюда и востребованность изделий, имитирующих старину: эпохи неолита, античности, элементы первобытного и примитивного искусства, мотивы древних Греции, Китая, Египта, Японии. Ведь сама старина —– это то, что, пройдя сквозь века, эпохи, катаклизмы, выжило и сохранилось до наших дней. Именно это и предоставляет шамот — энергию стабильности, чувство покоя и надежности.

Сдержанность и благородность изделий из шамотной керамики позволяет людям приблизиться к натуральному, приблизиться к природе, что в нашу эпоху стремительного технического прогресса так не хватает каждому. Изделия из шамотной керамики всегда привлекали и будут привлекать взгляды своей теплотой и яркой индивидуальностью. Во многих странах Европы шамот используется как для облицовки фасадов зданий, так и для облицовки каминов, стен и других предметов интерьера.

С середины двадцатого века шамот широко применяется в декоративном искусстве: вазы, парковая скульптура и пр.

Портрет Василия Фёдоровича

Картина поступила в основной фонд музея из РОСИЗО МК РСФСР в 1995 году.

Автор работы Николай Прокофьевич Карачарсков родился 14 февраля 1935 года в деревне Шадриха Порецкого района Чувашии.

Детство Николая Прокопьевича Карачарскова совпало с годами Великой Отечественной войны, когда дети приобщались к труду и взрослели раньше, чем становились по-настоящему взрослыми. Это время оставило неизгладимый след в душе впечатлительного мальчика и во многом предопределило характер и направленность творчества будущего художника.

В 1950 году Николай с отличием окончил школу семилетку. Встал вопрос о выборе профессии. Прочитав в газете «Красная Чувашия» объявление о приёме документов в Чебоксарское художественное училище, он тут же объявил родным о своём желании ехать в Чебоксары.

Творческая атмосфера в училище, дух соревнования, постоянное стремление к совершенствованию способствовали активному развитию творческого  отношения к жизни, к своей профессии, становлению общественно активной личности, гражданственности, убёжденности в правильности избранного пути.

Учился в Чебоксарском художественном училище с1950 по 1955 годы творчеству  у преподавателей — художников Е.Е. Бургулова, И.Т. Григорьева.

В 1955 году Николай с отличием окончил училище и работает художником-оформителем.

Весной 1956 года Николай Карачарсков отправляется в творческую командировку в село. Две недели проработал художником и написал ряд пейзажей. В этих работах ощущалась сдержанная, деликатная восторженность, продиктованная искренним чувством любви к природе.

Н.П. Карачарсков более 15 лет работал в Доме художника, в основном, писал портреты. Бывая на выставках, проходивших в Москве, пополнял багаж знаний. Осуществил и свою давнюю мечту: создал творческую бригаду «Сельские зори». Благие намерения дали положительные всходы. Художник исколесил с этюдником все деревни и сёла Чувашии и ближние республики,  создавая  близкие и родные по духу образы. Здесь он нашёл себя, реализовал дар мастера.

С 1957 года с творческими отчётами художник участвует во всех республиканских, многих всероссийских и всесоюзных выставках.  Картины художника размещены в сельских музеях республики, в Чувашском государственном художественном музее, музеях других городов России, в Третьяковской галерее в Москве и за рубежом.

В 1967 году Н.П.Карачарсков принят в Союз художников СССР, избран членом правления Союза художников Чувашской АССР.

В 1970г. начал работать руководителем творческой бригады художников «Сельские зори», организованной по его инициативе и при содействии Чувашской организации Союза художников РСФСР.

Н.Карачарсков выступает в искусстве как хранитель реалистических традиций в отечественной живописи, в его произведениях были и остались отголоски эстетики «сурового стиля» и социалистического реализма. В каждом полотне отчетливо выражена позиция художника, его потребность донести до зрителя свое понимание и любовь к человеку труда. Им написаны сотни портретов хлеборобов, механизаторов, животноводов, ветеранов войны и труда, которых отличает глубокая психологическая проработка характеров, высокий уровень их живописного воплощения. Несмотря на все сомнения и разочарования в России 90-х годов, пронизывающие многие его произведения, через все свое творчество художник пронес тему любви к Человеку, своей малой Родине, Отечеству.

В последние годы Николай Прокофьевич продолжает упорно работать по восстановлению родной деревни. Художник завершил строительство часовни-памятника в честь павших на войне 68 односельчан, не вернувшихся с фронта в родную деревню, и возродил сгоревший в 2005 году дотла в результате пожара Дом творчества Карачарсковых с картинной галереей.

Победители

Работа поступила в основной фонд музея из РОСИЗО МК РСФСР в 1990 году.

Автор работы Гетманский Анатолий Моисеевич график Член Союза художников России, член Международной федерации графиков. Награждён премией ЦК ВЛКСМ и медалью ВДНХ на конкурсе «50 лет Советской высшей школы». Родился 19 июля 1937 г. в Ленинграде. Во время войны был эвакуирован с матерью в Ярославскую область. Вернулся в родной город в 1945 году. Окончил Ленинградское художественное училище в 1957 г., в 1968 году — Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (мастерская графики А. Ф. Пахомова). Участник художественных выставок в России, зарубежных выставок российского искусства и международных выставок. Был руководителем персональной творческой мастерской «Отражение». Автор уникальных книг. Некоторые из них находятся в частных коллекциях, в том числе Королевы Великобритании Елизаветы II, а также в семье Б. Н. Ельцина. Работы находятся в Государственном Русском музее, Музее-квартире А. С. Пушкина, Национальной библиотеке России, Литературном музее института русской литературы Академии наук России, Вологодской областной картинной галерее, Магнитогорской картинной галерее и других музеях, частных собраниях страны и за рубежом (США, Франция, Англия, Германия, Испания, Португалия, Финляндия, Израиль, Индия, Япония).

Перед боем.

Работа поступила в фонд Новоуренгойского музея изобразительных искусств из Министерства культуры РСФСР в 1991 году

На гравюре — великий князь Дмитрий Донской перед боем с монголо-татарскими войсками в Куликовской битве в 1380 году. Историки единодушны во мнении, когда говорят о Куликовской битве: тем ветреным осенним днем у берегов реки Непрядвы решилось будущее Русской земли. В одной точке соединились горе и терпение, жажда освобождения от ига, сила, воля и вера.

Воинский подвиг стал ещё и подвигом духовным, подвигом священным. Как катализатор он запустил мощные процессы, способствовавшие объединению разрозненных земель в единое государство. Нет, Куликовская битва не была окончательной победой над татаро-монголами. Иго было сброшено только сто лет спустя. Однако именно Куликовская битва развеяла миф о непобедимости Золотой Орды, дала надежду и породила героев.

Сергей Михайлович Харламов — народный художник России, профессор, секретарь Союза художников России, председатель правления Московского областного отделения Союза художников России — признанный мастер графического искусства, лауреат многочисленных премий и наград.

В ходе неустанных творческих поисков художник создал многочисленные живописные полотна и станковые гравюры. Наибольшую известность получили его книжные иллюстрации, выполненные в технике ксилографии. Любовь к книге, к русской литературе стала лейтмотивом всего творчества художника. На иллюстрирование каждой серьезной книги или на создание цикла станковых гравюр художник тратит годы упорного кропотливого труда.

Всего С.М.Харламов проиллюстрировал более 50 книг различных авторов. Среди них М. де Сервантес Сааведра, В. Шекспир, Г.Х. Андерсен, Г.Р. Державин, В.Т. Нарежный, Ф.М. Достоевский, Л.Н. Толстой, М. Шолохов, Р. Гамзатов, поэты горной Шории, карело-финский эпос.

Выставка «Пушкин и современники».

Графические работы из фонда Новоуренгойского музея.

Александр Пушкин

Гравюра. В Тригорском. Из серии «Пушкин в Михайловском». 1986 год, г. Ленинград.

Работа поступила в основной фонд музея из РОСИЗО Министерство культуры РСФСР в 1993 году.

Тригорское неразрывно связано с жизнью и творчеством А.С. Пушкина. В настоящее время оно входит в большой музейный комплекс «Пушкинский Заповедник», находящийся в Пушкиногорском районе Псковской области.

В годы ссылки (август 1824 – сентябрь 1826 года) А.С. Пушкин по сути становится членом большой тригорской семьи, состоявшей из владелицы Тригорского Прасковьи Александровны Осиповой и её детей – Анны, Евпраксии, Алексея, Михаила, Валериана, Марии, Екатерины, падчерицы Александры.

Тригорскому и его обитателям посвящены такие шедевры Пушкина, как «Я помню чудное мгновенье…», «Здравствуй Вульф, приятель мой..», «Подражание Корану», «Если жизнь тебя обманет..», «Признание». Современники и первые паломники называли тригорский дом «домом Лариных».

На протяжении всей жизни тригорские друзья поэта, позднее их потомки, хранили воспоминания о поэте, его подарки, портреты, личные вещи, пушкинские автографы — письма, стихи, мадригалы, вписанные в дамские альбомы, книги с его дарственными надписями. Всё это стало основой первого домашнего музея памяти А.С. Пушкина, а позднее открытого 21 августа 1962 года дома-музея Осиповых-Вульф в Пушкинском Заповеднике.

Автор работы представитель Ленинградской школы Данилов Анатолий Васильевич (1944-2005). Родился 15 мая 1944 года в с. Санское Рязанской области. Окончил Среднюю художественную школу при Всероссийской академии художеств, Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина (мастерская графики А.Ф. Пахомова).
С 1996 года по 2005 г. преподавал в Академии художеств. Член Союза художников с 1975 года. Лауреат премии Ленинградского комсомола.
Награжден дипломом Таллиннского Триенале графики. Работал над иллюстрацией книг для издательств: «Детская литература» Московское и Ленинградское отделения, «Художественная литература» Ленинградское отделение, Воронежское Средне-Черноземное, «Библиополис», «Нева», «Аврора», «Юность» и др. Автор серии по мотивам античной поэзии «Жертвоприношение», «Праздник», иллюстраций к «Божественной комедии» Данте. Автор серий «Калейдоскоп ХХ век», «1917 год. Революция», «Мир детства», «Бам», «Ипподром», «Белые ночи», «Лето», «Памяти павших в последний день войны», «Русские города». Работал над диорамой «Подвиг рядового Типанова». Расписывал будуар императрицы Константиновского дворца в Стрельне.

Гравюра. 1825 — в Михайловском. Из серии «Пушкин в Михайловском» 1986, г. Ленинград.

Работа поступила в основной фонд музея из РОСИЗО Министерство культуры РСФСР в 1993 году.

Родовое поместье в селе Михайловском стало Для Александра Сергеевича Пушкина чуть ли не вторым домом, ведь не зря именно здесь были написаны самые яркие и сильные произведения автора. Впервые юный поэт посетил Михайловское в 1817 году, где был очарован “сельской жизнью” народа. В августе же 1824 года поэт был сослан в Михайловское по указанию императора Александра Первого из-за недовольства со стороны власти идейной составляющей поэтического творчества Пушкина. В ссылке писателю пришлось пробыть чуть более двух лет, что оставило на нём определённый отпечаток – именно здесь душевные переживания автора проявились в большей степени. Однако данный период был крайне плодотворен: стихи, написанные Пушкиным в это время, превышают сотню в своём количестве, среди них: “Книгопродавец”, “К морю”, “Аквилон”, “К Сабурову”, “Младенцу”, “К Языкову”, “Коварность”. Помимо этого, именно Михайловское способствовало написанию и выходу в свет следующих произведений: поэмы “Граф Нулин” и “Цыганы”, драма “Борис Годунов”, роман “Евгений Онегин”.

Автор работы представитель Ленинградской школы Данилов Анатолий Васильевич (1944-2005). Родился 15 мая 1944 года в с. Санское Рязанской области. Окончил Среднюю художественную школу при Всероссийской академии художеств, Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина (мастерская графики А.Ф. Пахомова).
С 1996 года по 2005 г. преподавал в Академии художеств. Член Союза художников с 1975 года. Лауреат премии Ленинградского комсомола.
Награжден дипломом Таллиннского Триенале графики. Работал над иллюстрацией книг для издательств: «Детская литература» Московское и Ленинградское отделения, «Художественная литература» Ленинградское отделение, Воронежское Средне-Черноземное, «Библиополис», «Нева», «Аврора», «Юность» и др. Автор серии по мотивам античной поэзии «Жертвоприношение», «Праздник», иллюстраций к «Божественной комедии» Данте. Автор серий «Калейдоскоп ХХ век», «1917 год. Революция», «Мир детства», «Бам», «Ипподром», «Белые ночи», «Лето», «Памяти павших в последний день войны», «Русские города». Работал над диорамой «Подвиг рядового Типанова». Расписывал будуар императрицы Константиновского дворца в Стрельне.

Александр Барятинский

Работа из серии «Декабристы в Тобольском изгнании»

Автор: Евстафий Климентьевич Кобелев.

Гравюра была передана Новоуренгойскому музею изобразительных искусств из Тюменской областной картинной галереи в 1985 году.

Декабрист, штаб-ротмистр Гусарского полка, с 1821 года — активный деятель Южного общества декабристов, друг П. И. Пестеля. Происходил из старинного княжеского рода Рюриковичей. Воспитывался в иезуитском пансионе в Петербурге. После сдачи квалификационного экзамена в Петербургском педагогическом институте А. П. Барятинский служил переводчиком в Коллегии иностранных дел. С 1817 г. он на военной службе в гвардейском гусарском полку, затем с 1820 г. в чине штабс-ротмистра — в Тульчине вместе с Пестелем, который в 1821 г. принял его в Южное общество декабристов.

Барятинский был республиканцем, видным деятелем декабристского движения, начальником Тульчинской управы. По поручению Пестеля он готовил террористическую группу заговорщиков-цареубийц, переводил на французский язык «Русскую правду» Пестеля. В июне 1823 вёл в Петербурге переговоры о слиянии Южного и Северного обществ. За участие в восстании 14 декабря 1825 года был приговорён к вечной каторге, сокращённой до 20 лет с последующим поселением в Сибири. Каторгу отбывал после заключения в Кексгольмской крепости на Нерчинских рудниках, с 1830 г.- в Петровском заводе. С 1839 г. А. П. Барятинский жил в крайней бедности на поселении в Тобольске, где и скончался в больнице общественного призрения в 1844 г.

А. П. Барятинский был всесторонне образованным человеком, атеистом и материалистом, знал языки, увлекался математическими исследованиями, писал стихи. Автор атеистического стихотворения «О боге». В 1824 г. в Москве он опубликовал небольшую книжку стихов на французском языке «Часы досуга в Тульчине». Работы, написанные на каторге и в ссылке, не сохранились. Среди них были вольнолюбивые стихи, философский трактат материалистического содержания, направленный против декабристов-идеалистов. Похоронен в Тобольске на Завальном кладбище.

Иван Пущин

Гравюра была передана Новоуренгойскому музею изобразительных искусств из Тюменской областной картинной галереи в 1985 году.

Пущин (Иван Иванович, 1789 — 1859) — декабрист. Прослужив короткое время, по окончании курса в Царскосельском лицее, в гвардейской конной артиллерии, Пущин принял звание судьи московского надворного суда, хотя эта служба в глазах тогдашних дворян считалась унизительной. Это, между прочим, подало повод Пушкину, который считал Пущина своим лучшим товарищем, сказать ему в своем стихотворении «19 октября» (1825):

«Ты, освятив тобой избранный сан,

Ему в очах общественного мненья

Завоевал почтение граждан».

Тотчас же по выходе из лицея Пущин вступил в первое тайное общество, основанное в 1817 году, и был одним из деятельных его членов. Верховный уголовный суд 1826 года, признав его «виновным в участии в умысле на цареубийство одобрением выбора лица, к тому предназначенного, в участии управлением общества, в принятии членов и в отдаче поручений и, наконец, в том, что лично действовал в мятеже и возбуждал нижних чинов», — приговорил его к смертной казни, которая заменена была пожизненной каторгой. По прошествии 20 лет он был поселен сначала в Туринске (где Пущин, по показаниям местных властей, «ничем, кроме чтения книг, не занимался»), а потом в Ялуторовске (здесь он пристрастился к сельскому хозяйству).

Вильгельм Кюхельбекер

Гравюра была передана Новоуренгойскому музею изобразительных искусств из Тюменской областной картинной галереи в 1985 году.

Кюхельбекер Вильгельм Карлович (1797—1846), писатель, декабрист. Родился 21 июня 1797 г. в Петербурге. Происходил из дворянской семьи обрусевших немцев. Окончил Царскосельский лицей (1817 г.), где началась его дружба с А. С. Пушкиным и А. А. Дельвигом. Затем служил в Коллегии иностранных дел, преподавал русский язык и латынь. В 1820— 1821 гг. путешествовал по Европе; читал в Париже публичные лекции о русской литературе, при этом вёл речь и о необходимости политических преобразований в России.

Выступления прервались по приказу русского посольства. В 1822 г. Кюхельбекер служил на Кавказе чиновником особых поручений при генерале А. П. Ермолове. В ноябре 1825 г. он был принят К. Ф. Рылеевым в тайное Северное общество. Во время восстания 14 декабря 1825 г. в Петербурге Кюхельбекер стрелял в великого князя Михаила Павловича, выстраивал солдат для контратаки. После провала восстания пытался бежать за границу, но был арестован в Варшаве и приговорён к смертной казни, заменённой затем каторгой в Динабургской крепости. С 1836 г. жил на поселении в Сибири.

Кюхельбекер стал печататься с 1815 г. В ранних стихах следовал традиции элегической поэзии В. А. Жуковского, с начала 20-х гг. XIX в. активно выступал против сентиментализма, защищая романтизм. Он написал программную статью «О направлении нашей поэзии, особенно лирической, в последнее десятилетие» (опубликована в 1824 г. в альманахе «Мнемозина», который Вильгельм Карлович издавал вместе с В. Ф. Одоевским). В противовес «камерной лирике» Кюхельбекер создаёт тираноборческую трагедию «Аргивяне» (1822—1825 гг.), стихотворения «К Ахатесу», «К друзьям на Рейне» (оба 1821 г.) — произведения, исполненные гражданственного пафоса.

Выставка «Поэты Серебряного века»

Автор: Татьяна Соловьёва – Домашенко

Портреты поэтов Серебряного века

Татьяна Васильевна Соловьева принадлежит к послевоенному поколению русских художников. Окончила художественное училище им. Серова (Рериха), затем Академию художеств. С 1975 года Татьяна – член союза художников СССР. Много лет работает как график, в творческой копилке которого более сорока проиллюстрированных книг. Отличительная особенность работ Татьяны Соловьёвой —  это, в первую очередь крепкая, устойчивая композиция картин и тщательно проработанные детали.

С 1985 года к своей фамилии Татьяна добавляет фамилию мужа, художника Николая Домашенко. Из начальных букв этих двух фамилий образуется псевдоним СО-ДО, которым художница пользуется также в своей литературной деятельности. С 1989 г. ее художественные интересы связаны с масляной живописью. Тематика картин Татьяны Co-До очень разнообразна: пейзажи, портреты, натюрморты, философские и мистические сюжеты. Тем не менее, все ее картины имеют нечто общее — особенное сочетание поэзии и фантастики, иногда сказочности, с реалистической основой.

Татьяна Co-До — участник более ста выставок, из которых 20 — персональные. Работы Т.Соловьевой находятся во многих музеях России и в частных коллекциях за рубежом.

В коллекции графики новоуренгойского музея изобразительных искусств хранится пять совершенно особенных портретов. Это образы поэтов, неизменно связанных с замечательным периодом в русской литературе XX столетия – Серебряным веком: Анны Ахматовой, Николая Гумилёва, Николая Клюева, Марины Цветаевой, Николая Заболоцкого. Работы, выполненные в технике линогравюры, были переданы  музею Министерством культуры РСФСР в 1985 году.

Линогравюра – способ высокой печати, сходный с ксилографией. Изображение вырезается на линолеуме или другой полимерной основе и отпечатывается на лист бумаги. Впервые эта техника появилась в начале XX века, когда художники попробовали использовать для печати больших плакатов линолеум вместо деревянной доски. Основное преимущество линогравюры перед другими видами иллюстрации – возможность тиражировать изображение, при этом сохраняя его рукотворную живость.

Каждый портрет – проницательный взгляд художницы на жизнь и судьбу  поэта. Анну Ахматову невозможно не узнать – «патрицианский профиль», скульптурно очерченный рот, величественные взгляд и осанка. Татьяна Соловьёва изобразила Анну Андреевну юной и зрелой одновременно. Две женщины сидят за столом, между ними – целая жизнь. Рядом с молодой Ахматовой красота и страсть, рядом с почтенной — мудрость и спокойствие. 

Николай Клюев изображен в образе отшельника. В руках поэта – посох. В прозе Николая Клюева сильно ощутима связь с древнерусской литературой, прежде всего с жанром «духовного завещания», а также самоуничижительного и покаянного тона. Человеком «не от мира сего» увидела его Татьяна Васильевна.

Образ Николая Заболоцкого, представленный на выставке, можно прокомментировать строками из стихотворения самого поэта «На закате»:

«Два мира есть у человека:

Один, который нас творил,

Другой, который мы от века

Творим по мере наших сил.

Художница увидела Заболоцкого человеком, способным из тесноты мира внешнего погрузиться в свой внутренний мир: яркий и свободный, найти в нём отдушину и вдохновение. 

Одним из главных героев творчества Марины Цветаевой всегда являлась душа поэта-женщины. «Душа» в цветаевском понимании «Шестикрылая, ра — душная». На портрете Татьяны Соловьёвой Марина Цветаева изображена в таинственном крылатом образе, секрет которого зрителю предстоит раскрыть.

Николай Гумилев был незаурядной личностью с удивительной и вместе с тем трагичной судьбой. Он оставил интересное и значительное наследие, оказал несомненное влияние на развитие российской поэзии. Превыше всего Гумилев считал преданное служение искусству. В этом сказалась его романтичность, умение подняться над обыденным и увидеть истинную красоту мира. На портрете поэт изображен неутомимым путешественником и романтиком.

Искусство и философия Серебряного века отличаются элитарностью, интеллектуализмом. В хронологических границах этого периода сосуществовали самые различные по происхождению и эстетической направленности явления: модернистские течения, поэзия классической реалистической традиции, крестьянская, пролетарская, сатирическая поэзия… Однако, Серебряный век — не только хронологический период, но и образ мышления тех людей искусства, которые остались в сознании  потомков как некая неразделимая плеяда, формировавшую атмосферу конца XIX — начала XX века. Надеемся, что выставка графики Татьяны Соловьёвой Домашенко станет для вас возможностью прикоснуться к этой атмосфере.

На выставке представлены классические портреты, переданные в основной фонд Новоуренгойского музея из Министерства культуры РСФСР и Тюменской областной картинной галереи.

Портрет дочери.

Картина поступила в основной фонд музея из Тюменской областной картинной галереи в 1986 году.

На плоском темно-синем фоне изображена сидящая девочка. Изображение поколенное. Распущенные, прямые до плеч волосы, перехваченные голубой атласной лентой. Синяя с глухим воротом кофта застегнута на пуговицу. Кисти рук обхватывают локти. Короткая юбка, серо-синяя. Разворот фигуры дан вправо. Живопись гладкая. Взгляд направлен не на зрителя.

Автор работы Манухин Ярослав Николаевич родился в 1925 г. Учеба в средней художественной школе (директор Каренберг). Поступил в Московское худож. училище «Памяти 1905 г.». 1943 -45 г.г. служил в рядах Красной армии. Окончил в Московское худож. училище «Памяти 1905 г.» с красным дипломом. В 1953 г. окончил Московский госуд. худож. институт им. В.И. Сурикова факультет живописи, мастерскую проф. Д.К. Мочальского, был персональным стипендиатом. С 1953 г. преподавал рисунок в выпускных классах МСХШ. Член СХ с 1956 г. Среди работ станковая гравюра (портреты, серии на темы сказок, былин, басен и пр.), иллюстрации к детским книгам (более 50 названий), киноплакаты, (15 лет работы на фабрике «Рекламфильм»), живопись (в основном портреты), анималистический жанр. Участник всех значительных выставок в нашей стране и за границей, как график, плакатист, книжный иллюстратор и живописец-портретист. Работы находятся в ГТГ, Русском музее, Музее изобразительных искусств, в музеях Киева и многих городов Европы и Азии, а так же в частных коллекциях в России и за рубежом. Был награжден несколькими дипломами и премиями. Ветеран труда.

Портрет Ирины

Работа поступила в основной фонд музея из Министерства культуры РСФСР в 1985 году (приказ № 447 от 27.07.1984 г.)

Изображена сидящая на стуле молодая женщина. На коленях у Ирины лежит открытая книга. Фигура изображена в три четверти, голова повернута к зрителю. Ярко синяя блуза и темно-синяя юбка. На втором плане дверной проем, открытая дверь.

Липец Владимир Аронович родился в 1952 году в Ленинграде. В 1976 г. выпускник Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, мастерская монументальной живописи под руководством А.А. Мыльникова. С 1979 г. член Союза художников России. С 1975 г. постоянный участник художественных выставок в России и за рубежом. Работы находятся в музеях и частных коллекциях в России (Третьяковская галерея, музей истории Санкт-Петербурга, художественных галереях Перми, Серпухова, Соловков и т.д.). В частных коллекциях за рубежом – США, Италия, Германия, Англия, Норвегия, Швеция, Финляндия, Южная Корея, Китай.

За книгой

Работа поступила в основной фонд музея от Управления культуры Тюменской области в 1986 году.

На первом плане сидит молодая женщина с книгой в руках. Короткие темные волосы, сиреневая летняя блузка с цветами вокруг выреза, голубые брюки. На левой руке часы с браслетом. Женщина сидит на веранде, выходящей в сад. На дальнем плане зеленая береза и поле.

Автор работы Булгаков Федор Сергеевич родился в 1902 г. в п. Кореиз в Крыму. Окончил ВХУТЕИН. Ученик М. Нестерова, П. Корина, И.Машкова. Член союза художников с конца 30-х г. Участник всесоюзных выставок и персональных (с 1963 г.) выставок. Умер в 1991 г. в г. Москве.

Берёзовая роща

Работа поступила в основной фонд музея от Управления культуры Тюменской области в 1986 году.

Березовая роща. Орехово-Зуево. На фоне березовой рощи изображен портрет молодой женщины. Одета в голубую блузку, волосы с рыжим отливом собраны в узел на затылке. Женщина изображена в профиль. Голубые глаза, нос прямой, тонкие брови. Картина выполнена в светлых зелено-голубых тонах.

Автор работы Елизаров Геннадий Федорович родился 4 июня 1950 года в посёлке Иня Амурской области. В 1965 году поступил в Саратовское художественное училище. 1969-1975 гг.  обучался в Суриковский Художественный институт в Москве. Член Союза художников России с 1980 г. Елизаров Г.Ф. участвует во многих всероссийских, зональных, городских и зарубежных выставках. Его работы находятся в Министерстве культуры РФ, Музее Академии Художеств РФ, в частных коллециях Росси и за рубежом: Чили, Англии, США, Германии, Франции, Израиле, Польше и Италии. 

Невеста

Работа поступила в основной фонд музея из РОСИЗО Министерства культуры РСФСР в 1993 году.

В левой части изображения четыре женские фигуры в полный рост. На первом плане невеста в белом платье, фата развивается по ветру, лицо развернуто к зрителю. Рядом стоят подружки с цветами. В правой части: на белой лошади сидит человек в зеленом одеянии, на его голову наброшен капюшон. За его спиной сидит мальчик, обхватив человека в капюшоне. Рядом бредет отара овец. На дальнем плане пейзаж: на холме засеянное поле, вдали горное селение и заснеженные верхушки гор.

Автор работы Светлана Тихоновна Фадеенко родилась в 1941 году в г. Ленинград- график — станковист, художник ДПИ. Член Союза художников СССР.

Её сложные по цвету, размытые, светящиеся изнутри пастели легко было представить в литографии. Листы Фадеенко глубоки и лиричны, в них ощущается характер автора — тонкого, искреннего и очень скромного человека. Работы Светланы больше похожи на литографскую живопись, в них нет привычной эстампности: карандашная манера, белый фон бумаги, особые литографские приемы. В те годы ленинградская литография как бы ушла в живопись или картину: Вильнер, Забирохин, Натаревич, Сергеева.

Выставка «Дом мой — Ямал»

Предметы из фонда музея. Коллекция «Этнография».

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

Предметы военной коллекции из фонда НГМИИ

            Время все дальше и дальше отделяет нас от светлого и незабываемого дня 9 мая 1945 года, ставшего поистине всенародным праздником. Уходят годы, а вместе с ними и участники тех трагических событий. Рядом с нами остается все меньше людей, кто потом и кровью отстоял свободу и независимость нашей Родины. Наш нравственный долг – сохранить о них светлую память.   Эта выставка – возможность запечатлеть, удержать в памяти лица участников Великой Отечественной войны и события 1941-1945гг.

         В экспозиции  представлены предметы из фонда музея. Особое место среди предметов военных времен занимают предметы вещевого фонда, сохранившиеся со времен войны, принадлежавшие солдатам и офицерам советской армии, письма, фотографии. Открытого, спокойного и уверенного в себе защитника Родины сфотографировал у землянки в один из моментов войны наш земляк, тюменец И. Зубов. Рядом с большой фотографией – копия гимнастерки того времени, перепоясанная ремнем с подсумком. Солдата на войне всегда сопровождали стальной шлем, котелок, фляжка и шанцевый инструмент. Есть и другое «оружие», которое тоже било врага. Это редкий русско-немецкий словарь, которым пользовались наши военные переводчики. Это письма и почтовые карточки, которые ежедневно шли на фронт и с фронта. Они поддерживали  бойцов и помогали работать тем, кто ковал Победу в тылу. Большую роль в сохранении памяти о войне сыграли военные фотографы и их фотокамеры. На выставке можно увидеть фотоальбом с фотографиями.  Рядом с фотографиями знаменитых маршалов на выставке находятся предметы, которые «жили» рядом с ними в блиндажах и на командных пунктах.

        Также на выставке представлены предметы вещевого фонда, принадлежавшие  фашистской Германии. Здесь пробитый взрывом и временем стальной шлем («штальхельм»), часть посмертного медальона солдата немецкого Вермахта,  листовка 1942 года. Первые годы войны немецкие пропагандисты засылали в окопы и тылы Красной Армии огромные тиражи бумажных листовок, в которых призывали бойцов сдаваться в плен.

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

• 

Жостовская роспись. Подносы из фонда НГМИИ

Подносы с яркими цветочными композициями — знаменитый народный промысел, сочетание технологий производства металлических подносов в Нижнем Тагиле и мастерства росписи мастеров Вишняковых.

Уникальная техника лаковой росписи была придумана на уральских заводах купцов Демидовых, в Нижнем Тагиле. Крепостной Худояров изобрел «хрустальный» лак, который «на железе, меди и дереве ни мало не трескается». Особая техника росписи развивалась в Тагиле с конца XVIII века, затем ее освоили и в других мастерских — очень уж всем нравились эти нарядные подносы с красивыми букетами цветов!

Подносный промысел в Подмосковье возникает в начале XIX века, и связано это с деятельностью семьи Вешняковых, местных уроженцев.

Вешняковы были откупившимися на волю крестьянами, талантливыми мастерами и успешными предпринимателями. Они основали мастерские, в которых занимались изготовлением разнообразных изделий из папье-маше с миниатюрной росписью. Красивые мелочи пользовались большим спросом среди населения, дело быстро развивалось, и Филипп Вешняков, старший из клана, вскоре перебрался в Москву. Однако его сын Осип отделился от отца, вернулся на малую родину и открыл свое собственное дело в деревне Жостово. Троицкая волость, где находилась деревня, была тогда центром подмосковного ремесленного производства. Всюду были мастерские, в которых искусные ремесленники занимались различными промыслами, а в деревне Жостово таких мастерских было двадцать две. И у каждого  мастера — свое клеймо, по которому можно узнать подлинность подноса.

У жостовских мастеров перед тагильскими конкурентами было преимущество — они знали секрет более прочного лака, который долго не трескался, сохраняя роспись. Это стало решающим фактором в конкурентной борьбе. Мастерская в Жостове практически целиком перешла на изготовление железных подносов, то и дело расширяя производство, и только совсем старые мастера продолжали делать милые безделушки из папье-маше.

Как и у тагильских подносов, главным мотивом жостовских были цветочные букеты. У этой росписи много источников. Она напоминает народную вышивку бисером, павлопосадские платки, ивановские яркие ситцы, курские ковры. Здесь та же яркость красок, смелое сочетание цветов, пышная декоративность. Похожие мотивы можно заметить также в народных росписях крестьянских сундуков и прялок, на деревянной и керамической посуде. Все эти народные орнаменты мастера фабрики брали на заметку, и в результате у них сложился собственный уникальный стиль, узнаваемый всеми. Цветочные букеты жостовских подносов не спутаешь ни с какими другими.

Изготовление жостовских подносов — долгий и кропотливый процесс. Современные мастера неукоснительно соблюдают старинную технологию. Загрунтованные и зашпатлеванные, покрашенные черной краской и покрытые двумя слоями лака подносы попадают к художникам.

Каждый мастер одновременно делает несколько подносов, в день опытный профессионал расписывает от пяти до десяти изделий. Во время росписи поднос лежит не на столе, а у мастера на колене, и художник вращает или двигает поднос, как бы подставляя нужный участок под кисточку.

Мастера пишут масляными красками, обильно разбавленными скипидаром и льняным маслом. Такая краска легко стекает с беличьей кисти, и это позволяет делать упругий и тонкий мазок.

Первая стадия росписи называется замалевкой, вторая — выправкой. В замалевке художник при помощи широкой кисти набрасывает силуэт букета. После чего поднос сушится в течение 12 часов. Роспись делается без предварительного рисунка, сразу набело — так, что исправить потом ничего нельзя. На стадии выправки прорисовывают мелкие детали, наводят тени и блики.

Готовую роспись покрывают тремя слоями светлого лака. Каждый слой просушивают и полируют пемзой и грубым сукном. Последний этап — наводка зеркального блеска на лак: ее делают вручную, при помощи мела тончайшего мучного помола.

По материалам сайта Культура.рф

Золотая хохлома

Треть коллекции декоративно-прикладного искусства НГМИИ составляют  народные промыслы России.  Представляем вам хохлому.  Собрание хохломской росписи музея насчитывает более 30 единиц хранения.

Хохлома представляет собой декоративную роспись, в основном по золотому фону. Специальная обработка в печах позволяет создавать изделия, которые не портятся от воздействия даже горячей пищи.

Технология хохломской росписи поистине уникальна, ведь, по сути, дерево приобретает свойства керамики.

На дерево при выполнении росписи наносится серебристо- оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкой деревянной посуде эффект массивности.

Роспись выглядит ярко, несмотря на темный фон. Для создания рисунка используются такие краски, как красная, жёлтая, оранжевая, немного  зелёной и голубой. Также в росписи всегда присутствует золотой цвет.

Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

Технология выполнения хохломской росписи включает в себя несколько этапов. Для начала мастера создают основу из дерева, будь то чаша, ложка или мебель. Неокрашенные изделия называются «бельё».

После сушки «бельё» грунтуют жидкой очищенной глиной — вапой, как её называют мастера. После грунтовки изделие 7-8 часов сушат и обязательно вручную покрывают несколькими слоями олифы (льняного масла).

Следующий этап — «лужение», то есть втирание в поверхность изделия алюминиевого порошка. Выполняют его вручную тампоном из овечьей кожи. После лужения предметы приобретают красивый бело-зеркальный блеск, и готовы для росписи.

В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие характер и узнаваемость хохломской росписи — красный и чёрный (киноварь и сажа), но для оживления узора допускаются и другие — коричневый, светлого тона зелень, жёлтый тон. Кисти для росписи делаются из беличьих хвостов, так, чтобы ими можно было провести очень тонкую линию.

В конце все изделия обязательно снова покрываются льняным лаком и сушатся в печах при высокой температуре.

Музей искусств Дании выложил свои коллекции в открытый доступ

Юности Белые ночи

  «Суметь запечатлеть в своих работах приметы времени, в котором живет художник – это великое достижение. Ведь вокруг нас все так быстро меняется – проходит всего несколько десятков лет и вот уже трудно узнать двор, улицу, город.  А полотна живописцев рассказывают историю ярко, искренне и правдиво », — говорит Василий Кузюк, работник Уренгойского газопромыслового управления. Его повествованию о Новом Уренгое больше трех десятков лет.  Первая серия графики «Будни Уренгоя» — впечатления от непривычной природы, странного вида жилищ (автор тогда жил в вагон-городке) и, конечно, пронзительных северных белых ночей. На ямальскую «стройку века» автор приехал из родного Закарпатья в 1982 году. К тому моменту он окончил Ужгородское художественное училище. И, хоть картины писал лишь в свободное время, коллекция росла и пополнялась, и, что еще важнее, у Василия Кузюка  появился свой «почерк» — особенный, узнаваемый стиль. «Бочки» и «балки», заснежненные улочки с покосившимися «бамовскими деревяшками»– казалось бы, совсем неромантичные сюжеты… Но в картинах художника — удивительная гармония окружающего мира. Городские пейзажи из серии «Уренгой уходящий» — «Мирок», «Юности Белые ночи», «Оттепель», «Весенний луч». «Уренгойские разливы» очень напоминают  работы импрессионистов. На полотнах —  чистые, ясные цвета и очень много солнечного света.

Как искренне верующий человек, Василий Кузюк обращается и к религиозной теме – его «Поминальная молитва» посвящена ушедшим друзьям. Матерь Божья с младенцем Иисусом на руках, окруженная горящими свечами, изображена на фоне множества деревянных домов, а на переднем плане – осыпающийся куст северной голубики с крупными спелыми ягодами, как символ уходящей жизни. Автор сравнивает лик Мадонны с северным сиянием, сверкающим над всеми нами в течение тысячелетий. Идея создания  другой работы возникла, когда художник увидел фото ауры человека. «Я хотел передать впечатление от игры цвета, света и тени. А озябшие руки, устремленные к небу, мне кажется, напоминают факел», — говорит Василий Кузюк. Речь идет, конечно, о «Молитве».

Василий Кузюк не только график и живописец – он успешно реализовывает свой талант в качестве художника-дизайнера, оформляя интерьеры. Автор — участник многочисленных выставок. В Новоуренгойском музее изобразительных искусств, где находятся несколько работ, он выставляется с 1985 года. Произведения находятся также в частных собраниях в Германии, Финляндии, стран СНГ и России.

В настоящее время автор работает над серией, посвященной серьезной и большой теме – «501 стройке». Он кропотливо собирает материалы, так или иначе связанные с ГУЛАГом. Уже есть и первые эскизы. Поэтому, скорее всего, поклонники таланта Василия Кузюка вскоре смогут увидеть новые работы художника.

А сегодня он предлагает взглянуть на его «Юности Белые ночи»  — романтичные и чуть-чуть загадочные.

Каслинское литьё

Каслинские скульптуры впервые появились на Демидовском железоделательном и чугуноплавильном заводе в ХVIII веке. Цеха строились для производства металла, а художественный промысел был лишь экспериментом. За основу взяли опыт немецких и английских мастеров. Технологию производства чугуна скрывали от России за семью печатями. Но петровское окно в Европу позволило получить первые образцы Берлинской королевской мануфактуры. По ним и постигали азы.

Сто лет шли уральские мастера к созданию собственного стиля, одновременно выпуская чугунную посуду и утюги. Первым успехом «кабинетного литья» стала выставка 1896 года в Нижнем Новгороде. Каслинский завод получил высшую награду — право ставить на изделие клеймо с гербом России.

В 1900 году Касли покоряет Париж. Огромный павильон — 172 пуда чугуна и год работы 16 мастеров — стал мировой сенсацией. В стенах, созданных словно из чугунных кружев, разместили работы уральцев. Экспозицию окрестили «энциклопедией художественного литья».

Чугунный дворец со всем содержимым намеревался купить президент Франции Эмиль Лубе. Предлагал два миллиона рублей. Сделки не вышло: среди экспонатов была скульптура «Россия». «Россия не продается» — таким был ответ. Оригинал символа русской державы работы Николая Лаверецкого находится в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, копия — в Екатерининском зале Кремля и в Южно-Уральском университете. А в селе Частоозерье Курганской области «Россия» стала памятником. Павильон из чугуна в 1978 году признан ЮНЕСКО уникальным художественным памятником мирового значения. «Русское чудо» осталось единственным в мире архитектурным сооружением из чугуна, хранящимся в екатеринбургском музее.

А мы предлагаем вам посмотреть на образец каслинского литья, хранящийся в нашем музее.

В тексте использован материал сайта Культура.РФ

«Души изменчивой приметы…»

В коллекции живописи городского музея хранятся работы известных советских художников-реалистов. Среди этих полотен — «Ткачихи» С.И. Дудника. Работа поступила в фонд НГМИИ в 1985 году из Тюменской областной картинной галереи. Сюжет произведения построен на гармонии цвета, замкнутой композиции, в которой нет мелких, конкретных деталей быта. Это не зарисовка из жизни, не ее прямое воспроизведение, а тема, которую развивает художник, оттолкнувшись от конкретного сюжета, момента. В работе сочетается лиризм и монументальность.

Предлагаем познакомиться с биографией художника. Степан Дудник родился в 1914 году в Феодосии. В шестнадцать лет он трудился на строительстве Беломорско-Балтийского канала, работал в глухой карельской тайге. Там будущий художник начал рисовать для стенгазеты. В 1934 году Степан поступил в Московский государственный художественный институт им. В.И.Сурикова. В 1943 году он окончил институт с отличием и продолжал обучение в аспирантуре.

Дипломная работа Степана — историческое полотно «Штаб революции в Смольном» — сделала бы честь и опытному, зрелому мастеру. Целостность, оригинальность подхода, ощущение времени, эпохи, присущие этой картине, сразу обратили внимание на молодого художника. Тема революции занимает большое место в творчестве Дудника, и всегда он находит свое, не похожее на других ее решение, не боясь ни сложности задачи, ни масштабов полотна («Залп «Авроры», «Октябрьские дни», «В.И.Ленин и А.М.Горький» и др.).

В 50-60-е годы, как и многие художники в это время, Дудник много путешествует по различным областям страны — Алтай, Средняя Азия, Новокузнецк, Кемерово. Из этих путешествий он привозил много работ — сельские и урбанистические пейзажи, портреты рабочих и колхозников. В эти годы практиковалась работа портретными сериями — портреты ученых, тружеников села, рабочих.
В 60-е годы в его творчестве все сильнее начинает проявляться декоративное начало, явно заложенное в природе его дарования, свободней и интересней становится колорит работ.

Особенно ярко проявилось декоративное начало живописи Дудника в его натюрмортах, которые художник много пишет в 60-е и в 70-80-е годы. В них он отразил поэтический мир простых вещей, их незамысловатую красоту. Цвет в творчестве Дудника — носитель эмоционального начала. Его видение цвета отличается своеобразием, самобытностью, поэтому его работы никогда не спутаешь с работами других художников.

В разное время Дудник обращается то к одному, то к другому жанру живописи. В 70-е годы, в целом очень плодотворные для художника, им было создано много жанровых полотен («Ткачихи», «Яблони», «Ковровщицы»), в которых декоративность и поэтическое начало — творческий принцип живописца.

В тексте использованы материалы статьи Е. Романенко «Сто памятных дат. Художественный календарь». М. 1988.

Божественная комедия. Квинто Мартини.

I grasp hold of art and she will not let me go and I do not give her up The dominant theme of the life of Quinto Martini, constant in self-presentations he made, was his passion for art and for his artistic work. Working for him was a  and equally a , an inexhaustible reason of pleasure and in any case always a compelling reason with his life. Quinto Martini considered art an absolute and almost incommunicable dimension of the spirit of art an artist speaks seriously only when he makes it writes in a note without date, and an artist reveals himself only through his works: I work a lot, because I believe that only working it is possible to solve all those deep problems of art that intelligence could never settle through abstraction. An artist who has a commitment to himself has a commitment with the society.

Плакат

Советские политические плакаты времен Второй мировой войны приобрели особую значимость и актуальность. Страна напрягала последние силы в борьбе с немецкими захватчиками, поэтому плакаты концентрировались на чисто человеческих чувствах — гневе, ярости, страдания, мужественности, стремлении к победе.

Победа будет за нами – военные плакаты.

В собрании музея изобразительных искусств есть несколько десятков советских плакатов времен Великой Отечественной войны. Экспонаты, созданные в тяжелейшее во всех смыслах время, представляют собой уникальное наследие. Особую ценность представляют плакаты, выполненные известными художниками: И.М. Тоидзе, В.Н. Дени, Кукрыниксами, А.М. Волошиным, В.А. Серовым, В.Н. Селивановым. У посетителей сайта музея появилась возможность познакомиться с частью этой коллекции на виртуальной выставке «Победа будет за нами – военные плакаты». Плакат военных лет — яркое художественное явление и одновременно «выразитель дум и чаяний» советского народа в годы суровых испытаний. В этом аспекте плакат служит уникальным историческим источником, изобразительной летописью войны. Плакат «Бьёмся мы здорово, колем отчаянно — внуки Суворова, дети Чапаева» создан в 1941 году, в самом начале Великой Отечественной войны, группой художников М.Куприяновым, П.Крыловым и Н.Соколовым под псевдонимом Кукрыниксы. Плакат передает динамику движения к неизбежной победе над врагом, героическое прошлое России переплетается с военными 1940-ми. На переднем плане изображен типичный для плакатных изображений того времени сюжет устремленных в атаке на врага солдат и боевой техники. На заднем плане — устремленный в бой русский витязь, легендарный полководец Суворов и герой Гражданской войны Чапаев. Тем самым авторы плаката подчеркивают преемственность поколений защитников Родины. Плакат «Бьёмся мы здорово, колем отчаянно — внуки Суворова, дети Чапаева» несет мощный энергетический заряд, уверенность в грядущей победе над врагом отважного советского солдата, потомка героических предков. Среди авторов сатирических плакатов военного периода отметим также художника В. Н. Дени. В работе «Красной Армии метла нечисть вымела дотла!», художник создал звучный по цвету и оригинальный образ. Гитлеровцы боялись советских карикатур как огня, они расстреливали из орудий фронтовые сатирические плакаты, подвергали тяжелым наказаниям своих солдат, если находили у них эти рисунки. Всех художников-карикатуристов, в своих работах разоблачавших преступления фашизма перед всем миром, гитлеровцы занесли в черный список деятелей советской культуры, чтобы затем уничтожить их. Но этим желаниям не суждено было сбыться. Важнейшей боевой задачей плаката было не только показать всю несостоятельность фашистских вояк, но и создать героический образ советских бойцов. Главными героями плакатов на протяжении всей войны были солдаты, совершающие подвиги ради спасения своей Родины; партизаны, сражающиеся с врагом на оккупированной земле; матери и дети, призывающие к защите и освобождению. Агитационные плакаты И.М. Тоидзе «За Родину, За Сталина», А.М. Волошина «Под знаменем Ленина-вперед к победе!» созданные в 1941г. призывают смело идти в бой с врагом, вероломно напавшим на СССР.  Большой вклад в создание антифашистских плакатов внесли ленинградские художники. В. А. Серов возглавил Ленинградский Союз художников (1941–1948) и направил всю его работу на военно-политическую агитацию против немецких захватчиков. В плакате Наше дело правое – победа будет за нами, художник передал решимость пожилого бойца-ополченца защищать родной город от врага. В.А. Серов воссоздал обстановку военного времени с максимальной точностью, изобразив воина, идущего на фронт вместе с товарищами, на фоне классической архитектуры триумфальных ворот, через арку которых видны дымящиеся трубы ленинградских заводов. Тыл жил единой жизнью с фронтом. Всенародный лозунг «Все для фронта, все для победы!» определял тематическое содержание тыловой агитационной графики. Ушедших на фронт мужчин в цехах заводов и на полях заменили женщины, старики и дети. В тылу, как и на фронте, были свои герои. Плакат прославлял их будничный каждодневный подвиг. Днем и ночью шли к линии фронта эшелоны с боеприпасами и продовольствием. Об этом рассказывают плакаты «Заменим!», «Защитим город Ленина» В.А. Серова. Особой популярностью пользовались сатирические плакаты «Боевого карандаша» — творческого объединения ленинградских художников. Листы «Боевого карандаша» печатались в технике литографии, как цветные эстампы. Они внушали народу твердую веру в неизбежность победы и разгрома фашистской Германии. Определенную роль в развитии этого плаката сыграли традиции лубка. Формат листков «Боевого карандаша» был небольшим, а сами рисунки и текст выполнялись с расчетом восприятия с близкого расстояния, ведь они вывешивались в блиндажах, бомбоубежищах, стационарах и госпиталях. Лучшие плакаты, созданные ленинградскими художниками в военную пору, сохраняют ценность не только как документы своего времени, но и как талантливые произведения искусства. Среди них лист, отличающийся суровым реализмом, призывающий к священной борьбе: «Тревога», погибшего во время блокады Н. А. Тырсы. Основные события 1943 года – прорыв блокады, прибытие первого поезда с Большой земли, вручение медалей «За оборону Ленинграда», восстановление города – все это нашло отражение в ярком запоминающимся плакате В.Н. Селиванова Медаль за оборону Ленинграда». Долгожданную Победу под праздничные залпы салютующих орудий и радостное ликование народа встретили и военные плакаты. И навсегда ушли в историю, стали олицетворением фронтовой героической эпохи, когда советский народ совершил великий подвиг – разгромил фашизм и, тем самым спас человечество от коричневой чумы. А лучшие из плакатов военного времени стали памятниками большого искусства.

Листая старые страницы

Новоуренгойский городской музей изобразительных искусств представляет коллекцию редких книг из собственного фонда. В виртуальной экспозиции немало интереснейших и очень ценных экземпляров. Например, книга «Хирургическая помощь в неотложных случаях», изданная в 1902 году в Москве. Её автор — французский хирург Феликс Лежар, профессор медицинского факультета Парижского университета. Есть сведения всего о 9 изданиях этой книги в России. Нужно отметить, что в XVIII — XIX вв. Германия, Франция и Великобритания считались центрами медицинской науки и практики. Стажировка в клиниках этих стран была доступна лишь избранным выпускниками российских медицинских факультетов. Такой чести удостаивались либо золотые медалисты (они направлялись университетами), либо очень обеспеченные врачи, отправлявшиеся за границу за собственный счет. А для тех, кто не мог себе позволить подобные поездки, на русском языке ежегодно публиковалось большое число переводных европейских изданий, предназначенных для врачей разных специальностей. Одно из них — «Хирургическая помощь в неотложных случаях». Известно, что эта книга была настольной для многих медиков, в том числе и для выдающегося русского хирурга Феликса Войно-Ясенецкого. В своих воспоминаниях он называет монографию Лежара «блестящей книгой», которая ему «много помогла» в хирургической практике. На выставке представлены и издания на церковно-славянском языке. Эти книги напечатаны особым шрифтом — кириллицей, которая по начертанию букв отличается от современной. Известно, что вплоть до революции 1917 года церковные книги печатались по единому образцу, которым пользовались в церковном богослужении и домашнем обиходе, пожалуй, самая распространенная из них. Представленный на выставке экземпляр датируется началом XX века. В это же время было издано и одно из Евангелий. В 1911 году, как свидетельствует памятная надпись на нём, книга была подарена Неофоту Сюткину — ученику, окончившему курс Насмокинского начального училища. Возможно, именно этот человек, будучи уже в летах преклонных, подарил Евангелие Галине Ясинек, смотрителю городского музея. В 2002 году она передала книгу в фонд НГМИИ. Второе из представленных Евангелий издано Синодальной типографией в 1888 году. На форзаце надпись: «От любящей мамы». Есть в коллекции музея и художественные книги. В экспозицию вошел один из томов «Сочинений» Салтыкова-Щедрина, изданный, предположительно, в конце XIX века. Сатира Михаила Евграфовича — особое явление в русской литературе. Писатель обладал даром чутко улавливать самые острые конфликты, назревающие в России, и показывать их в своих произведениях. На выставке представлен уникальный экземпляр периодического издания. Это специальный выпуск журнала «Огонёк» 1935 года, посвященный 15-летию Первой Конной армии. В то время дата имела огромное политическое значение. Все неудобные факты о Первой Конармии тогда безжалостно исправлялись. Так, по обвинению в антисоветской деятельности был арестован писатель и бывший конармеец Исаак Бабель, автор романа Конармия, где правдиво описывались реалии той жестокой войны: Лавчонки все открыты, солдаты рыщут, ругают жидов, шляются без толку, заходят в квартиры, залезают под стойки, жадные глаза, дрожащие руки, необыкновенная армия…Журнал «Огонёк» был учреждён в 1879 году. В царское время почти всё место в журнале занимали художественные рассказы и фотографии. Издание несколько раз закрывали и снова открывали». В 90-е годы прошлого столетия тираж «Огонька» достигал 4,6 млн. экземпляров. В настоящее время — чуть более 80 000. Изучая старинные издания, мы порой заново открываем для себя события давно минувших дней и лучше понимаем их. Приятного просмотра!

Земля комсомольского подвига. Фотовыставка об истории города.

1978 год… Новый Уренгой объявлен Всесоюзной ударной комсомольской стройкой. Вступили в действие первые промысловые установки, легли в грунт фундаменты первых многоэтажных домов будущего города. Там где шло освоение, там всегда была молодежь, Ленинский комсомол. На XVIII съезде ЦК ВЛКСМ было принято решение сформировать и отправить Всесоюзный ударный комсомольский отряд для строительства города Новый Уренгой. 300 человек было в отряде из восьми регионов Советского Союза. Интернациональный состав отряда уренгойского направления формировали республики Украина, Эстония, Башкирия, города Москва, Куйбышев, Тамбов, Тула, Курган. Комиссаром ВУКО назначен Павел Баряев, командиром – Николай Литовченко. В ночь с 30 апреля на 1 мая 1978 года отряд приземлился на двенадцати самолетах АН-26 в аэропортах Надыма (пять самолетов) и Нового Уренгоя (семь самолетов). Они выезжали из теплой предмайской Москвы, а Новый Уренгой встречал их жесткой метелью. Так начинали свою трудовую биографию бойцы Всесоюзного ударного комсомольского отряда имени XVIII съезда ВЛКСМ. На базе отряда было создано двенадцать коллективов; в тресте Уренгойгазпромстрой сформировали новое стройуправление № 53. Титул был присвоен сразу – комсомольско–молодежный, без комсомольских билетов ведь никого и не было. Позднее и тресту был присвоен этот титул. Областная молодежная газета в те дни писала: «Новый Уренгой – пока небольшой поселок из деревянных домов и вагончиков. Трудно представить, что через несколько лет на этом месте поднимется современный город…» Но уже жили в тех самых деревянных домах и вагончиках комсомольцы, которые не просто мечтали о будущем городе, а ежедневно, ежечасно создавали его на пронизывающем ветру, в пятидесятиградусные морозы, когда хрупким делался металл и покрывались ледяной коркой рабочие бушлаты…А после смены бригады Петра Землянко, Татьяны Слепуховой, Вячеслава Вахрушева вновь спешили во внеурочное время отделывать первый в городе детский сад, строить первый спортивный зал. Завершалось сооружение одних важных объектов – эстафету принимали другие. В мозаике таких вот горячих будней становилось ясно: на этой земле приживутся, пустят крепкие корни те, кто не ищет легких путей, не устраивается в жизни, а активно борется за лучшее в ней, кто предельно честен по отношению к делу, кто силен духом. В выставку вошли фотографии из фонда музея.

Выставка работ армянских художников

Живопись Армении всегда колоритная и яркая, как и сама страна. В ней гармонично переплетаются реализм и художественные фантазии, обычаи и эксперименты. Новоуренгойский городской музей изобразительных искусств представляет коллекцию картин художников, переданных в фонд музея из передвижных мастерских Армении в 1988 году. На выставке представлена живопись в её основных жанрах: портрет, натюрморт, пейзаж. В полотнах художника Грачика Габузяна «Горный пейзаж» и Сурена Сафаряна «Арарат весной» предстаёт воплощённая в звонких красках природа Армении, всё в ней звучит полнокровно, всё насыщено сильным, чистым светом. Природа согрета теплом тонкой, трепетно раскрытой навстречу жизни души художника. Озеро Севан — самый крупный источник пресной воды на Кавказе. На его берегу, на высоте 2000 метров расположился древний монастырь Айриванк, основанный ещё в IV веке. Живописное расположение на скалистом берегу придает монастырю особое очарование, которое сумел передать художник Аракел Аракелян. Художник пошёл по стопам своего отца Седрака, признанного классика армянской живописи ХХ века, увековеченного в барельефе на стене своего дома. На картине художника Аветиса Кртикашяна — маленький художник. Подперев рукой подбородок, мальчик погрузился в свои, неведомые нам мысли. Он не в комнате с серыми стенами, а на берегах невиданных им доселе рек, строит плот и плывёт навстречу приключениям… Вскоре эти берега появятся на рисунках мальчика и люди увидят, как ярко может мечтать художник. Работа художницы Седы Бекарян «Клоун с голубями» представляет мир творчества, написанный сочными красками. Этот мир вырывается из повседневности, зовёт прикоснуться к нему и получить радость. Седа – художник во втором поколении, дочь народного художника Армении, профессора Ары Агабекян. Известный художник Гагик Парсамян всю жизнь пишет цветы. В коллекцию живописи городского музея вошёл его натюрморт «Цветы», насыщенный красными, бордовыми, синими и сиреневыми тонами. Гагик Парсамян родился в Армении, там же в 1977 году закончил Ереванскую государственную художественную академию. Сейчас мастер живет и работает в Гданьске, где у него шикарный сад со множеством цветов, которые он пишет. Полуденным зноем веет с работы Баграта Григоряна «Городская окраина». Ярко-красные, желтые и синие дома на картине совершенно необыкновенным образом представляют нам окраину обычного города. Художнику удалось почувствовать и передать не только колорит жаркого дня, но и свои ощущения от него. Работы Баграта Григоряна находятся в Музее современного искусства в Ереване, Национальной галерее Армении, в Третьяковской галерее, многочисленных зарубежных коллекциях и галереях. Полотна, представленные на выставке, включены в федеральный музейный фонд.

Отблеск истории

Всемирно известная октябрьская революция 1917 года (полное официальное название в СССР — Великая Октябрьская социалистическая революция) — одно из крупнейших политических событий в истории человечества, повлиявшее на всю историю XX века, этап русской революции, произошедший в России в октябре 1917 года изменивший ход ее истории. Монархия была низвергнута, а на смену ей пришел социалистический строй, демократия и республика. В результате переворота победили большевики, создав, в свою очередь, советский строй, бывший во главе нашего государства в течение семидесяти последующих лет, до 1991 года. Великая Октябрьская социалистическая революция произошла после многих преобразований. В начале 1917 года, а если быть точным, в феврале, прогремел первый переворот, результатом которого явилось отречение царя и изменение формы правления. Во главе государства стало Временное Правительство, созданное и проводимое под руководством А.Ф. Керенского. В течение всего года государство пережило несколько кризисов, которые в первую очередь были обусловлены различной расстановкой сил, стремящихся к власти. В результате Октябрьской революции было свергнуто Временное правительство и к власти пришло правительство, сформированное II Всероссийским съездом Советов, абсолютное большинство делегатов которого составили большевики — Российская социал-демократическая рабочая партия(большевиков) и их союзники левые эсеры, поддержанные также некоторыми национальными организациями, небольшой частью меньшевиков-интернационалистов, и некоторыми анархистами. В ноябре новое правительство было поддержано также большинством Чрезвычайного Съезда крестьянских депутатов. Временное правительство было свергнуто в ходе вооружённого восстания 25—26 октября (7 — 8 ноября по новому стилю), главными организаторами которого были В. И. Ленин, Л. Д. Троцкий, Я. М. Свердлов и др. Непосредственное руководство восстанием осуществлял Военно-революционный комитет Петроградского Совета, в который входили также левые эсеры. Существует широкий спектр оценок Октябрьской революции: для одних это национальная катастрофа, приведшая к Гражданской войне, отставанию от прочих современных государств и установлению в России тоталитарной системы правления (либо, наоборот, к гибели Великой России как империи); для других — величайшее прогрессивное событие в истории человечества, оказавшее огромное влияние на весь мир, а России позволившее выбрать некапиталистический путь развития, ликвидировать феодальные пережитки и непосредственно в 1917 году скорее спасшее её от катастрофы. Между этими крайними точками зрения есть и широкий спектр промежуточных. Великая Российская Революция – коренной перелом в отечественной истории. Затронувший все сферы общественной жизни процесс до сих пор в историческом сознании современной России, переживающей период социальной, культурной и политической трансформации, не приобрел однозначной оценки. Многие аспекты данного периода российской истории остаются нераскрытыми или раскрытыми необъективно и политически ангажировано. 2017 год – год столетнего юбилея Революции 1917 года. Столетний рубеж – знаковый для исторической памяти. Именно сейчас необходимо поддержать тенденцию примирения общества с событиями 1917 года и способствовать популяризации качественного исторического знания для извлечения из них уроков, руководствуясь ценностями научности, гражданской солидарности, выраженной в деликатном и объективном подходе к историческим событиям. На выставке Отблеск истории; представлены графические работы, посвященные революционному времени — Музыка гражданской войны Мир народам В. Шмохина, Утро революции А.Ливанова, Братья Ульяновы В.Бронина, плакаты Мир народам Декрет Совета Народных комиссаров. В витрине можно увидеть предметы этого периода — это денежные знаки 1917 года, фотоальбом и другие предметы начала 20 века.

Рождественский вернисаж
Рождество Христово – один из самых светлых христианских праздников. Две тысячи лет назад в небольшом городке Вифлееме произошло небывалое событие – родился в мир Богомладенец, Сын Божий. Рождение в мир Иисуса Христа произошло сверхъестественным образом – от непорочной Девы Марии. Божественный Младенец родился в Вифлееме, куда Пресвятая Дева Мария и ее муж Иосиф отправились из Назарета на перепись населения, объявленную римским императором Августом.

Дома, постоялые дворы и гостиницы в Вифлееме были переполнены народом, явившимся на перепись, и Марии с Иосифом нашлось укрытие только в пещере-вертепе (старинное название пещеры – вертеп), куда пастухи в непогоду загоняли стада. Там и появился на свет Спаситель мира и, спеленатый, положен был на солому в ясли, куда кладут корм для животных.

Первыми гостями божественного младенца были не цари и вельможи, а простые пастухи, которым Ангел возвестил о Рождестве Христовом: «Я возвещаю вам великую радость, которая будет всем людям: ибо ныне родился вам в городе Давидовом Спаситель, Который есть Христос Господь! И вот вам знак: вы найдете Младенца в пеленах, лежащего в яслях» (Лк 2,10-12).

Пастухи первыми поспешили поклониться новорожденному Спасителю. В это время с дарами Царю Мира шли волхвы с востока (волхвы – это древние мудрецы). Они ждали, что вскоре должен нa землю прийти великий Царь Мира, а чудесная звезда указала им путь в Иерусалим.

Волхвы принесли Младенцу дары: золото, ладан и смирну. Эти дары имели глубокий смысл: золото принесли как Царю в виде дани, ладан как Богу, а смирну как человеку, который должен умереть (смирной в те далекие времена помазывали умерших).

В IV веке нашей эры эта пещера стала христианским храмом, серебряная звезда увенчала нишу, в которой явился на свет Спаситель, каменные ясли были обложены белым мрамором.

От Рождества Христова началась новая эра человечества — наша эра.

Проведение Рождественских вернисажей в Городском музее изобразительных искусств стало доброй традицией. Много лет неизменными участниками таких выставок являются учащиеся Детской художественной школы г. Новый Уренгой. Возраст участников выставки от 6 лет до 17 лет. Сюжеты композиций, навеянные праздником светлого Рождества, создают незабываемую атмосферу чуда и сказки. Приятного просмотра!

Святые лики: медное литьё и иконы
На выставке представлены иконы прошлого столетия, образцы медного литья и книги из коллекции Городского музея изобразительных искусств.

Памятники медного литья — кресты, иконы и складни это наиболее многочисленная группа русских христианских предметов старины, которые отражают тысячелетнюю историю христианства в России. Большие тиражи, красота, ценовая доступность, прочность, небольшие размеры способствовали их широкому распространению на территории нашей страны.

Медное литьё на Руси имеет древнее происхождение. Уже в домонгольский период это ремесло было очень распространено, однако в первой трети 18 века становится нелегальным на целых 150 лет. Петр I в 1722 году запретил изготовление объемных изображений, рельефных ликов на металле или дереве в Православной церкви, а также «продажу оных в рядах». Это было связано с упадком качества литейного искусства. Новой страницей в истории развития этого вида прикладного творчества стали произведения старообрядческих меднолитых мастерских XVIII-начала XX веков.

Представленные образцы медного литья датируются концом XIX – началом XX века. Предметы были приобретены для музея в 1998 году в Тюмени.

В экспозицию вошли и несколько живописных икон: образ Божией Матери «Всех скорбящих радость», «Пантелеймон целитель», «Знамение» и т.д. Иконы датируются концом XIX – началом XX вв. В коллекцию музея поступили в 1998 году.